L'Orfeo
| Dane dotyczące pracy | |
|---|---|
| Tytuł: | Orfeusz |
| Tytuł oryginalny: | L'Orfeo |
Strona tytułowa | |
| Oryginalny język: | Włoski |
| Muzyka: | Claudio Monteverdi |
| Libretto : | Alessandro Striggio |
| Źródło literackie: | Legenda Orfeusza |
| Premiera: | 24 lutego 1607 |
| Miejsce premiery: | pałac książęcy w Mantui |
| Czas odtwarzania: | niecałe 2 godziny |
| ludzie | |
| |
L'Orfeo (ang. „Orpheus”, SV 318) to Favola in Musica autorstwa Claudio Monteverdiego . Libretto jest przez Alessandro Striggio Młodszego . Opera składa się z prologu i pięciu aktach . Treść jest darmową wersją greckiej sagi o Orfeuszu i Eurydyce .
Monteverdi rozpoczął pracę w 1606 roku. Premiera Accademia degli Invaghiti (Akademia Zakochanych) 24 lutego 1607 z okazji urodzin Franciszka IV Gonzagi w pałacu książęcym w Mantui była niezwykle udana. Dwaj kastraci Giovanni Gualberto Magli i Girolamo Bacchini wystąpili na premierze jako mezzosoprany.
Dzięki L'Orfeo Monteverdi wniósł decydujący wkład w rozwój rodzącego się gatunku opery w XVII wieku, niektórzy określają to dzieło jako pierwszą operę w ogóle.
wątek
prolog
Pojawia się sama muzyka i zapowiada, że opowie o Orfeuszu, który pokonał dzikie zwierzęta, a nawet piekło i zdobył nieśmiertelną sławę.
pierwszy akt
Pasterze i nimfy wychwalają dzień, w którym Orfeusz zdobył miłość Eurydyki. Proszą Hymenaiosa , opiekuna małżeństwa, o pomoc w zbliżającym się małżeństwie dwojga. Orfeusz i Eurydyka śpiewają o swoim ogromnym szczęściu. Chór nimf i pasterzy zamyka akt wołaniem, aby nikt nie wpadł w rozpacz, bo za ciemnością, bólem i zimnem zawsze idą lepsze czasy.
Akt drugi
Eurydyka zbiera kwiaty, podczas gdy Orfeusz nadal śpiewa ze swoimi towarzyszami. Wychwala swoje przeszłe męki miłości, ponieważ sprawiają, że jest jeszcze szczęśliwszy. Przychodzi posłaniec i donosi, że Eurydyka zmarła na ukąszenie węża. Orfeusz jest zdesperowany. Postanawia wyprowadzić Eurydykę z podziemi lub, jeśli mu się nie uda, pozostać z nią w królestwie zmarłych.
Akt trzeci
Nadzieja towarzyszy Orfeuszowi w wejściu do podziemi. Odtąd musi żyć bez niej; ponieważ nad bramą wjazdową wyryto: „Lasciate ogni speranza, voi ch 'entrate” ( Puśćcie wszelką nadzieję, która wchodzicie , por. Dante, Inferno , 3 pieśń, wers 9). Charon konfrontuje go z gniewem i nieufnością: żadna żyjąca osoba nie może dotrzeć do zmarłego. Czy Orfeusz chciał go upokorzyć (tak jak wówczas Heraklesa ), chwytając Cerbera, czy też zabrać Prozerpinę z dala od Plutona (jak Zeus co roku) ? W tej centralnej scenie Orfeusz wyciąga wszystkie końce swojej sztuki śpiewania; śpiewa z bujną ornamentacją, intymnością zmiękczającą kamień i wyzwoloną pasją. Charon wyznaje, że jest poruszony śpiewem, ale nie poddaje się, ponieważ nie jest to dla niego odpowiednie. Wreszcie zasypia. Następnie Orfeusz przeprawił się sam z łodzią Charona. Chór duchów wychwala zdolność człowieka do podboju przyrody.
Akt czwarty
Z litości Proserpina prosi Plutona, aby zwrócił kochanka Orfeusza; przypomina mu o jego własnej miłości do niej. Pluton zgadza się z miłości do Prozerpiny, ale tylko pod warunkiem, że Orfeusz nie spojrzy na Eurydykę w drodze powrotnej. Jej słowa poruszyły starą ranę w jego sercu, dlatego prosi Prozerpinę, aby została z nim na zawsze w wdzięczności za jego uprzejmość: ... aby twoja dusza nigdy więcej nie prosiła o radość niebiańską, abyś nie opuścił małżeństwa. łóżko więcej liści.
Roszczenie wzajemne Plutona jest oryginalnym wynalazkiem librecisty. Humanistycznie wykształcona publiczność premiery zrozumiała aluzję bez dalszych wyjaśnień: tak jak Orfeusz stracił żonę w podziemiu, Pluton co roku traci swoją towarzyszkę Persefonę do wyższego świata. Dlatego będzie musiała pozostać więźniem podziemia na zawsze, jeśli Eurydyka wróci do życia. Ponieważ Persefona jest boginią płodności w ciągu ośmiu miesięcy swojego pobytu na ziemi, Plutonowi udało się w ten sposób zgasić życie na Ziemi. Ta niemal przypadkowa aluzja zwraca uwagę publiczności na fakt, że śmierć należy zaakceptować dla życia i że powrót Eurydyki do życia wbrew naturze nie może być pożądany.
Orfeusz chwali się teraz jako całkowicie szczęśliwy i wyrusza, a za nim Eurydyka. Jednak nie jest posłuszny Plutonowi. Zaskoczony niespodziewanym hałasem, zwraca się do Eurydyki i tym samym traci ją na zawsze.
Chór duchów komentuje: Orfeusz podbił podziemia, ale potem został pokonany przez własne uczucia (afekty). Tylko ci, którzy pokonają samych siebie, zasługują na wieczną sławę.
Piąty akt
Właśnie teraz, radując się jak niebo, smutny teraz na śmierć, Orfeusz znajduje się sam w lasach Tracji , swojego domu. Odpowiada mu tylko nimfa Echo , monosylabicznie i żałośnie (humanistycznie wykształcona publiczność premierowa musiała zrozumieć tę aluzję: nimfa zniszczyła się swoją nadmierną miłosną chorobą; jest znakiem ostrzegawczym przed tym, co grozi Orfeuszowi). Orfeusz śpiewa lament za zmarłych z powodu Eurydyki, który kończy się nienawistną klątwą na wszystkie inne kobiety.
W tym momencie interweniuje jego ojciec, Apollo. Całkiem Deus ex machina , unosi się z nieba na chmurze; ale nie zachowuje się jak bóg - nie zapewnia w magiczny sposób, że historia dojdzie do szczęśliwego zakończenia, ale pomaga Orfeuszowi pomóc sobie i po ojcowsku napomina: nigdy nie należało do szlachetnych być niewolnikiem ich własne pasje, ponieważ jest to haniebne i niebezpieczne. Za bardzo płakałeś w szczęściu i za bardzo teraz płaczesz nad swoim ciężkim losem. Czy nie wiesz jeszcze, że tutaj na dole nie ma szczęścia? Wstań ze mną do nieba, jeśli chcesz cieszyć się nieśmiertelnością!
Orfeusz pyta z niepokojem, czy nigdy więcej nie zobaczy Eurydyki. Nie, nieuchronnie tego nie zrobi. Ale w słońcu i gwiazdach zobaczyłby piękność podobną do niej.
Orfeusz już nie narzeka, ale oświadcza, że jest gotów zostać godnym synem Apolla i pójść za nim. Śpiewając wysoce wirtuozowską koloraturę, Apollo i Orfeusz wznoszą się razem do nieba.
Operę zamyka żywiołowy śpiew i taniec nimf i pasterzy. Chwalą Orfeusza, który osiągnął niebiański zaszczyt i pełne szczęście, i składają mu kadzidła na jego ołtarzach.
libretto
Libretto jest z jednej strony sztuką pasterską (Favola pastorale), z drugiej zaś bezbłędnie nawiązuje do elementów tragedii greckiej . Orfeusz, (jedyny) bohater fabuły, przedstawiony jako półbóg (semideo) przez komentujący chór na początku aktu 1, spada z dużej wysokości do granicy samozniszczenia. Przyczyną nadchodzącej zagłady, jego słabości, ale i siły, są silne uczucia (affetti), których muzyczną ekspresją oczarowuje ludzi, zwierzęta, a nawet podziemia, ale którym też ulega. Od początku nie jest gotowy ani nie jest w stanie znieść ze spokojem przemiany szczęścia i nieszczęścia jako nieuniknionego ziemskiego losu, a tym samym także do pokonania własnej natury, ale chwali rozpacz, ponieważ zwiększa szczęście tym bardziej, pogrąża się w Szczęściu, jakby może trwać wiecznie i nie uznaje dobrze uzasadnionej mocy śmierci.
Nauczanie dane mu (i słuchaczom), aby unikać nadmiaru, zachować umiar i postawę, jest wyraźnie apollińskie . Dlatego spodziewanego upadku Orfeusza ostatecznie odwraca Apollo - i sam Orfeusz - tak że opera nie kończy się jak tragedia, ale kończy się samowznoszeniem Orfeusza i jego akceptacją wśród bogów, co librecista i kompozytor (jeśli nie nawet przez każdy tłumacz i widz) jest postrzegane jako dobre zakończenie.
Można jedynie spekulować, czy temat opery był związany z przedwczesną śmiercią żony Monteverdiego, Claudii (zmarła w 1607 roku?). A zatem Monteverdi „był samym Orfeuszem”.
muzyka
Muzyka Monteverdiego dla L'Orfeo wyróżnia się dramatyczną siłą i emocjonalnością. Tragedia jest rozwijany w obrazach muzycznych, a melodie są jasne i jednoznaczne. Dzięki tej operze Monteverdi stworzył zupełnie nową formę muzyczną, jak ją nazywano dramma per musica (dramat muzyczny). Opery Monteverdiego zalicza się zwykle do wczesnego baroku.
Toccata grał na początku jest cytat z tej Gonzaga fanfar, jako wspomnienie swojego klienta. Akcja operowa rozpoczyna się po toccacie z ritornello i - zgodnie ze starożytnym schematem - prologiem.
Na razie opera jest dość bogato zaaranżowana, chociaż wybór instrumentów, a zwłaszcza skład basso continuo , jest (i był) częściowo zależny od odpowiedniego dyrygenta.
Decydującym czynnikiem jest rozróżnienie między instrumentami życia (smyczki i flety proste z basso continuo złożonym ze smyczków i klawesynu ) a instrumentem śmierci (instrumenty dęte z wyjątkiem fletów, zwłaszcza goleni i puzonów , plus basso continuo z organami / półka ).
Wymagania stawiane wokaliście Orfeo można sprowadzić do prostej formuły: aby nie być niewiarygodnym w tej roli, musi mieć wzorowo piękny głos i wysoką wirtuozerię. Zgodnie z ówczesnym gustem głos ten nie był bynajmniej promiennie jasnym tenorem (w sensie dzisiejszych śpiewaków operowych), a już na pewno nie głosem kastratu . Raczej uważano, że piękny jest średni głos, który unika wszelkich skrajności pomimo niewymagających wysiłku wzlotów i upadków. Ten zakres wokalny jest zatem warunkiem koniecznym dla Orfeusza (termin „baryton” nie był wówczas używany). Oprócz bardzo wysokich i niskich dźwięków, wymaga się od niego wszystkiego: sielskiego śpiewu pieśni, brawurowego śpiewu, lenistwa i pochlebstw, intymności, rozpaczy, złości i wysoce sztucznej ornamentyki - plus niemal nieprzerwana obecność na scenie. To samo dotyczy głosu Apolla, którego również nie zajmuje jasny, lśniący tenor.
Instrumenty związane z Orfeo składają się na ogół z instrumentów szarpanych oprócz strun; ale na słowa non viv 'io, nie ( nie, nie żyję ), zęby odpowiadają mu jako wyjątek jako narzędzia śmierci.
Muzycznym odpowiednikiem Orfeusza jest przede wszystkim Charon, bezdenny głęboki bas, któremu sztywno towarzyszą wiatry podziemia, niczym drzeworyt, w stylu zachowanych instrumentów ( krzywe rogi i pomorskie ), a który nawiązuje do minionego (martwego) musicalu. gust, podczas gdy Orfeo jest (wówczas) innowacyjnym muzykiem z żywą muzyczną ekspresją uczuć.
Jednak w piątym akcie, kiedy Orfeo odrzuca wszystkie kobiety, styl Charona zostaje niesamowicie przeniesiony do Orfeusza. To jest moment, w którym pojawia się Apollo, aby uratować syna.
Aria Possente spirto Orfeos , którą śpiewa przewoźnikowi Charonowi, aby został wpuszczony do podziemi, ma szczególną cechę - Monteverdi napisał ją w dwóch różnych wersjach na głos śpiewający. Pierwsza jest raczej recytatywna , druga ozdobiona jest czasami zamaszystą koloraturą, którą może wykonać tylko profesjonalny i niezwykle elastyczny głos. Nutą „Orfeusz […] canta una sola de le due parti” (Orfeusz śpiewa tylko jedną z dwóch wersji) przerywa przesadne lub nieprawidłowo zastosowane dekoracje śpiewaczki.
Wersja niemiecka
Nowa wersja niemiecka pochodzi od Carla Orffa ; pierwsza wersja miała swoją premierę 17 kwietnia 1924 r. w Nationaltheater Mannheim , druga i ostatnia wersja 4 października 1940 r. w Dreźnie pod dyrekcją muzyczną Karla Böhma .
literatura
- L'Orfeo. Favola in musica, SV 318. Partytura studyjna z pełnym librettem, w tym z częściami tekstowymi, które nie zostały opatrzone muzyką w oryginale oraz w tłumaczeniu na język niemiecki i angielski. Schott Music, Moguncja 2004, ISBN 3-7957-6986-8 .
- L'Orfeo. Favola in Musica. Faksymile pierwszego druku partytury operowej, Wenecja 1609 i aktu 5 mantuańskiego libretta z 1607. Bärenreiter, Kassel 1998, ISBN 3-7618-1167-5 .
- L'Orfeo. Favola in Musica. Faksymile pierwszego wydania Wenecja 1609. Laaber, Laaber 1998, ISBN 3-89007-399-9 .
- Claudio Monteverdi: L'Orfeo. Libretto autorstwa Alessandro Striggio. Tłumaczenie włoskiego tekstu na niemiecki do śpiewania przez Gertrud Scheumann, Longtai Verlag Gießen, Heuchelheim 2011, ISBN 978-3-938946-17-6 ( seria operowa Gertrud Scheumann , 3).
- Ulrike Kienzle: „Orfeusz” Claudio Monteverdiego i narodziny nowej dramatycznej sztuki wyrazu, w: zur debatte (Tematy Akademii Katolickiej w Bawarii) 5/2019, s. 28–34.
linki internetowe
- L'Orfeo : Nuty i pliki audio w projekcie International Music Score Library
- Działka i libretto z nim w Opera Guide strony docelowej na URL modernizacji aktualnie niedostępny