Sztuka tego stulecia

Zaproszenie na otwarcie „Sztuki tego stulecia”

Sztuka tego stulecia było muzeum otwarte przez Peggy Guggenheim w dniu 20 października 1942 w Manhattan , Nowy Jork , który był również galeria. Projekt pomieszczeń zleciła architektowi Friedrichowi Kieslerowi . Awangardowa galeria była zarządzana przez Guggenheim do końca maja 1947 roku. W tym roku wróciła do Europy. Spotkanie emigrujących artystów europejskich z młodymi malarzami amerykańskimi , takimi jak Robert Motherwell , Jackson Pollock i Mark Rothko , zaowocowało wzajemnym wpływem ekspresjonizmu abstrakcyjnego ., a centrum sztuki przeniosło się z Paryża do Nowego Jorku. Pod tym względem wystawy Guggenheima wywarły ogromny wpływ na współczesną sztukę amerykańską i można je porównać z prezentacjami Armory Show , które odbyły się w Nowym Jorku w 1913 roku.

Pre-historia

Peggy Guggenheim w Marsylii, 1937

Peggy Guggenheim otworzyła galerię w Londynie już 24 stycznia 1938 roku . Nazwa „Guggenheim Jeune” została oparta z jednej strony na znanej galerii Bernheim-Jeune , z drugiej strony jej panieńskie nazwisko Guggenheim cytowało jej wuja, mecenasa sztuki Solomona R. Guggenheima . Tuż przed otwarciem własnej galerii, uczęszczała do otwarcia na Exposition Internationale du surrealizm w Paryżu w dniu 17 stycznia , zorganizowanej przez André Bretona i Paul Eluard .

Kiedy Peggy Guggenheim wróciła do Nowego Jorku w 1941 roku po fazie kolekcjonowania w Paryżu i Londynie, marzenie, zainspirowane przez Herberta Reada , o założeniu muzeum sztuki nowoczesnej w Londynie, zostało zniszczone przez II wojnę światową . Jednak pragnienie, by móc zaprezentować zgromadzoną przez siebie kolekcję w muzeum, żyło dalej.

W maju ukazał się 160-stronicowy katalog, tworzony od stycznia 1942 roku w celu ewidencjonowania zasobów Peggy Guggenheim w nakładzie ograniczonym do 2500 egzemplarzy, którego okładkę zaprojektował Max Ernst . Oprócz przedmowy Peggy Guggenheim pojawiły się komentarze wprowadzające André Bretona , Hansa Arpa i Pieta Mondriana . Został zatytułowany Sztuka tego stulecia , na podstawie sugestii malarza Laurence Vail . Za radą przyjaciela, prawnika i doradcy podatkowego Bernarda J. Reisa, Guggenheim zintegrował swoją galerię handlową z muzeum non-profit ze względów podatkowych, aby móc odliczyć koszty. Nazwę muzeum i galerii wzięła z tytułu katalogu. Początkowo funkcję sekretarza pełnił Jimmy Ernst , syn z pierwszego małżeństwa jej męża Maxa Ernsta, później funkcję tę przejął Howard Putzel, były właściciel galerii.

otwarcie

Friedrich Kiesler, 1924

Muzeum i galerię według planów Friedricha Kieslera otworzyła Peggy Guggenheim „bez pomocy finansowej i z dużym przedsiębiorczością” przy 30 West 57th Street, pomiędzy komercyjnymi galeriami sztuki, 20 października 1942 r., przy wielkiej sympatii społecznej . Pokoje znajdowały się na piętrowym poddaszu od strony północnej . Na wystawie reprezentowanych było 68 artystów, łącznie 171 prac. Należą do nich dwa Pablo Picasso , wczesna praca kubistów Georgesa Braque'a , prace Fernanda Légera , Alberta Gleizesa i Louisa Marcoussisa oraz dzieło Marcela Duchampa . Późny obraz olejny i dwa duże rysunki Pieta Mondriana wisiały obok obrazów holenderskich konstruktywistów i trzech obrazów Wassily'ego Kandinsky'ego . Były też trzy prace Constantina Brâncuși i trzy rzeźby Alberto Giacomettiego , w tym brązowa Femme égorgee (kobieta z poderżniętym gardłem) odlana w 1940 roku (tynk 1932). Dziewięć prace autorstwa Paula Klee były wystawiane i rzeźby autorstwa Antoine Pevsner towarzyszyły dzieło Naum Gabo . Robert Delaunay i Francis Picabia mieli po jednym dziele. Wśród surrealistów w wystawionej kolekcji znalazły się prace Maxa Ernsta i trzy prace Joana Miró . Chronologiczne zakończenie pierwszej wystawy stanowili młodsi wówczas artyści, tacy jak Wolfgang Paalen , Joseph Cornell , Jean Hélion i Yves Tanguy .

Gospodyni pojawiła się na otwarciu w białej sukni wieczorowej i założyła dwa różne kolczyki; jeden, zaprojektowany przez Alexandra Caldera , symbolizował sztukę abstrakcyjną , drugi przez Yves Tanguy ruch surrealistyczny. Ustaliła opłatę za wstęp na jednego dolara i przekazała sumę na rzecz Amerykańskiego Czerwonego Krzyża.

Pomieszczenia

Muzeum składało się z trzech pomieszczeń. W jednym można było zobaczyć sztukę kubistyczną i abstrakcyjną, aw dwóch przylegających do siebie salach bogatą kolekcję malarstwa i rzeźby surrealistycznej oraz sztukę kinetyczną . Czwarta sala, galeria Guggenheima, zwana „Galerią światła dziennego”, była zarezerwowana dla stale zmieniających się, krótkotrwałych wystaw.

Według własnej pamięci Peggy Guggenheim, Kiesler zaprojektował „pokoje w oryginalny sposób”: „Obrazy nie były tylko pokazywane, były inscenizowane”. Według Guggenheim, ściany działu surrealistów były „nieregularnie zakrzywione” i wykonane z eukaliptusa: „Obrazy były zamontowane na kijach bejsbolowych […] i wydawały się unosić 30 centymetrów wolnej od ściany”, plamy oświetlały obrazy naprzemiennie z jednej strony. W dziale abstraktów i kubistów, holu wejściowym, ściany obciągnięto tkaniną w kolorze błękitu ultramaryny, a obrazy zawieszono pod sufitem na sznurkach ustawionych pod kątem prostym do ściany. „Na korytarzu”, mówi Guggenheim, „ustawiono obrotowe stoisko z siedmioma pracami Paula Klee, z których każda obracała się dalej wokół własnej osi, gdy odwiedzający przechodzili przez barierę świetlną”.

Program wystawy

Theo van Doesburg: Kontra-kompozycja XIII , 1925/26

Program obejmował pięć lat, poczynając od wernisażu w październiku 1942 r., a kończąc na retrospektywie artysty Theo van Doesburga pod koniec maja 1947 r. Każdego roku odbywało się średnio dziesięć wystaw. Początkowo były to głównie wystawy zbiorowe, wyjątkiem były wystawy indywidualne. Jako jedyny artysta wystawa indywidualna odbyła się w pierwszym sezonie na cześć Jeana Héliona , który w grudniu 1944 poślubił córkę Peggy Guggenheim, Pegeen . W rezultacie wystawy zbiorowe stawały się coraz rzadsze, aw ostatnim sezonie 1947 nie było ani jednej. Czas pomiędzy nimi charakteryzowały głównie dwuosobowe wystawy.

Chociaż Peggy Guggenheim znała wielu europejskich artystów, takich jak Hans Arp , Hans Theo Richter i Laurence Vail – ten ostatni jej pierwszy mąż – ale ze względu na wojnę i wynikający z niej brak połączenia z Europą, nie byli oni w stanie zaktualizować koncepcji wystawy programu coraz częściej zwracał się do amerykańskich artystów i rzeźbiarzy. Guggenheim, na przykład, pokazał prace Jacksona Pollocka (cztery z nich zostały wystawione w latach 1943-1947), Hansa Hofmanna , Williama Baziotesa , Marka Rothko , Roberta Motherwella , Davida Hare'a , Charlesa Seligera, Richarda Pousette-Darta , Clyfford Still i innych których niektórzy byli wystawiani kilka razy. Ponieważ galeria przez lata nie mogła sprzedać zbyt wiele, Peggy Guggenheim wiedziała, jak „zatuszować zawstydzoną sytuację”, wysyłając prace do kolekcji Peggy Guggenheim w celu nowych nabytków .

Po pierwszej wystawie Jacksona Pollocka w galerii w listopadzie 1943, jego praca stała się przedmiotem działalności Guggenheima. Według jej autobiografii Pollock otrzymywała kontrakt na 150 dolarów miesięcznie i udział w zyskach ze sprzedanych prac, jeśli przekraczały 2700 dolarów. Jedna trzecia powinna trafić do muzeum. Jeśli kwota nie zostanie osiągnięta, należy dokonać kompensacji dodatkowymi zdjęciami. Jednym z obrazów wystawionych przez Pollocka była Kompozycja z lewaniem II z 1943 roku. Calvin Tomkins , biograf Duchampa, opisał pierwszą negatywną reakcję Guggenheima na przedłożoną przez Pollocka pracę scenograficzną figurę o abstrakcyjnych i pół-abstrakcyjnych formach. Kiedy Piet Mondrian opisał obraz jako najbardziej ekscytujący obraz, jaki kiedykolwiek widział, zmieniła zdanie. W 1945 roku w galerii odbyła się indywidualna wystawa Marka Rothko . Pierwsza duża indywidualna wystawa Hansa Richtera w USA odbyła się w 1946 roku .

Guggenheim miał też wyczucie spraw, które wówczas były jeszcze postępowe, a opierały się na europejskich instytucjach wiosennych i jesiennych salonów. W 1945 roku pokazała indywidualną wystawę z nowymi chromatycznymi obrazami przestrzennymi Wolfganga Paalena , który stał się znany w USA dzięki Julienowi Levy'emu w 1940 roku, dzięki swoim fumages i własnemu magazynowi artystycznemu DYN i od tego czasu mieszkał na wygnaniu w Meksyku. Guggenheim poświęcił się także młodszym talentom i powtarzalnemu skupieniu się na sztuce kobiet , dodaniu kolażu i prezentacji mniej znanych artystek, które miały słabe referencje. Na przykład w styczniu 1943 r. „Wystawa 31 kobiet” pokazywała wyłącznie malarki z pracami Valentine Hugo , Fridy Kahlo , Louise Nevelson , Meret Oppenheim , Kay Sage , Dorothei Tanning i innych. Spotkanie Maxa Ernsta i Dorothei Tanning doprowadziło do separacji pary Ernstów; W 1946 Max Ernst poślubił artystę. Wystawa „Kobiety” odbyła się w 1945 roku, eksponaty pochodziły m.in. od Louise Bourgeois , Lee Krasnera , Dorothei Tanning i Charmion von Wiegand .

Zamknięcie i powrót do Europy

Muzeum w Palazzo Venier dei Leoni

Peggy Guggenheim zamknęła muzeum i galerię 31 maja 1947 roku. Tęskniła za Europą i przeniosła się do Wenecji ; była wyczerpana swoją pracą, a galeria zamykała się co roku z wynikiem negatywnym. Na przykład wynik za rok 1946 to strata w wysokości 8700 dolarów. Kontrakt podpisany z Jacksonem Pollockiem przejęła Betty Parsons , która w październiku 1946 roku otworzyła galerię w Nowym Jorku, do której dołączyło także kilku innych artystów reprezentowanych wcześniej przez Guggenheima.

W 1948 Guggenheim wystawił swoją kolekcję na Biennale w Wenecji . Po raz pierwszy w Europie pokazano tu prace amerykańskich artystów Arshile'a Gorky'ego , Jacksona Pollocka i Marka Rothko. W tym samym roku nabyła i przebudowała niedokończony Palazzo Venier dei Leoni z dużym ogrodem z XVIII wieku. Od 1949 wykorzystywała go zarówno jako mieszkanie, jak i okazjonalną przestrzeń wystawienniczą dla swojej kolekcji, która była otwarta dla publiczności w miesiącach letnich od 1951 roku. Wstęp był bezpłatny, ale katalog trzeba było kupić za 75 centów, ponieważ eksponaty nie były oznakowane. Część kolekcji Peggy Guggenheim została zabezpieczona w 1976 roku z inicjatywy Thomasa Messera , który był dyrektorem Muzeum Solomona R. Guggenheima w latach 1961-1988 i przekazana jako część kolekcji Fundacji Solomona R. Guggenheima od czasu Peggy Guggenheim . posiada przeniesione prawa majątkowe do fundacji. Od 1980 roku kolekcję można oglądać w Wenecji jako Kolekcja Peggy Guggenheim w Palazzo Venier dei Leoni, która również została przekazana Fundacji w 1976 roku .

perspektywy

Sztuka powojenna nie wzbudziła zainteresowania Guggenheima, zwłaszcza Pop Art , jak wynika z wypowiedzi dla reportera: „Nic nie osiągnęła i nie mam pojęcia, co chciała osiągnąć”. Niektóre późniejsze prace wystawianych przez nią artystów nie przemawiały do ​​niej, zwłaszcza do Marka Rothko. Kupowała tylko współczesne dzieła, aby zainwestować pieniądze.

W ostatnich latach historycy i krytycy sztuki doszli do przekonania, że ​​Guggenheim odegrał kluczową rolę w historii sztuki, promując wygnanych europejskich, a następnie nieznanych młodych artystów amerykańskich w rozwoju modernizmu i pojawieniu się ekspresjonizmu abstrakcyjnego . W marcu 2007 roku na Uniwersytecie Pensylwanii odbyło się sympozjum zatytułowane Użyteczna przeszłość? American Art od Armory Show do Art of This Century , który dotyczył obu wystaw.

W 2011 roku Fundacja Friedricha Kieslera otworzyła w Wiedniu wystawę, która zaproponowała rekonstrukcję surrealistycznej przestrzeni wystawienniczej zaprojektowanej przez Kieslera w skali 1:3.

literatura

• Dieter Bogner , Susan Davidson: Peggy Guggenheim i Frederick Kiesler. Historia sztuki tego stulecia . Hatje Cantz, Ostfildern 2006, ISBN 978-3-7757-1557-7 (angielski)
• Mary V. Dearborn: Mistrzyni modernizmu. Życie Peggy Guggenheim . Houghton Mifflin, 2004, ISBN 0618128069 ; dt. Nie żałuję! Niezwykłe życie Peggy Guggenheim , Bastei Lübbe, Bergisch Gladbach 2007, ISBN 978-3-404-61615-2
• Peggy Guggenheim: Sztuka tego stulecia. Spełnienie marzeń muzealnych . W: umiera.: Przeżyłem wszystko. Wspomnienia „femme fatale” sztuki . (Oryginał: Peggy Guggenheim: Out of this Century. Confessions of a Art Addict , 1946/1960/1979) Monachium 9. wydanie 1995; str. 245-259
• Peggy Guggenheim: Wyznania uzależnionego od sztuki . Ecco Press, Hopewel, NJ 1997, ISBN 0-88001-576-4 ; dt. Przeżyłem wszystko. Wyznania kolekcjonera z pasją . Bastei-Lübbe, Bergisch Gladbach, wydanie 10. 2008, ISBN 978-3-404-12842-6
• Bernd Klüser , Katharina Hegewisch (red.): Sztuka wystawy. Dokumentacja trzydziestu przykładowych wystaw sztuki tego stulecia . Insel Verlag, Frankfurt a. M. / Lipsk 1991, ISBN 3-458-16203-8 , s. 102-109.

linki internetowe

• Strona internetowa kolekcji Peggy Guggenheim (w języku angielskim)
• Opowieść o galerii sztuki (angielski)
• Okładka katalogu na pierwszą wystawę w 1942 roku zaprojektowana przez Maxa Ernst

Indywidualne dowody

1. ↑ Mary V. Dearborn: Nie żałuję! , s. 11
2. ↑ Mary V. Dearborn: Nie żałuję! , str. 290
3. ↑ Mary V. Dearborn: Nie żałuję! , s. 186, 190
4. ^ Thomas M. Messer: Peggy Guggenheim. SZTUKA TEGO WIEKU. Nowy Jork, 57. Ulica. 20 października 1942 do maja 1947 . W: Bernd Klüser, Katharina Hegewisch (hr.): Sztuka wystawy. Dokumentacja trzydziestu przykładowych wystaw sztuki tego stulecia , s. 102
5. ↑ Cytat z Weblink: Katalog
6. ↑ Mary V. Dearborn: Nie żałuję! , s. 271-274, 284
7. ↑ ^{a b} Thomas M. Messer, w: Bernd Klüser, Katharina Hegewisch (red.): Sztuka wystawiennicza. Dokumentacja trzydziestu przykładowych wystaw sztuki z tego stulecia , s. 104
8. ↑ Mary V. Dearborn: Nie żałuję! , s. 280, 287
9. ^ Thomas M. Messer, w: Bernd Klüser, Katharina Hegewisch (red.): Sztuka wystawiennicza. Dokumentacja trzydziestu przykładowych wystaw sztuki z tego stulecia , s. 105
10. ↑ Peggy Guggenheim: Przeżyłem wszystko (1995), s. 256-258
11. ↑ Mary V. Dearborn: Nie żałuję! , s. 337
12. ^ Thomas M. Messer, w: Bernd Klüser, Katharina Hegewisch (red.): Sztuka wystawiennicza. Dokumentacja trzydziestu przykładowych wystaw sztuki tego stulecia , s. 107
13. ↑ ^{a b} Thomas M. Messer, w: Bernd Klüser, Katharina Hegewisch (red.): Sztuka wystawiennicza. Dokumentacja trzydziestu przykładowych wystaw sztuki tego stulecia , s. 108
14. ↑ Peggy Guggenheim: Nie żałuję! , Bastei Lübbe 2007, s. 473 i nast.
15. ↑ Calvin Tomkins: Marcel Duchamp. Biografia . Hanser, Monachium 1999, ISBN 3-446-20110-6 , s. 191
16. ^ Mark Rothko , www.guggenheim.org, obejrzano 30 marca 2018
17. ↑ Hans Richter , berlinerfestspiele.de, dostęp 8 września 2015 r.
18. ↑ Mary V. Dearborn: Nie żałuję! , s. 293 ff
19. ↑ Charmion von Wiegand (1896–1983) w: Michael Rosenfeld Gallery, LLC, Nowy Jork ( Memento z 19.05.2012 w Internet Archive )
20. ↑ Cytat ze strony internetowej kolekcji Peggy Guggenheim
21. ↑ Mary V. Dearborn: Nie żałuję! , str. 385 f
22. ↑ Thomas Krens (przedmowa): Spotkanie. Arcydzieła z Centrum Georges Pompidou i Muzeów Guggenheima . Publikacje Muzeum Guggenheima, Nowy Jork 1998, s. 102, ISBN 0-89207-213-X
23. ↑ Kolekcja Peggy Guggenheim. Fundacja . Źródło 27 czerwca 2010 June
24. ↑ Mary V. Dearborn: Nie żałuję! , s. 406
25. ↑ Mary V. Dearborn: Nie żałuję! , s. 365-370
26. ↑ Użyteczna przeszłość? American Art from the Armoury Show to Art of This Century (PDF; 560 kB), zaproszenie
27. ↑ Forma życia w formacie sztuki. Surrealizm na wystawie w sztuce tego stulecia ( Memento z 16 października 2011 r. w archiwum internetowym ) na stronie kiesler.org

40,763729 -73,975756Współrzędne: 40 ° 45 ′ 49,4 "  N , 73 ° 58 ′ 32,7"  W.