Muzyka średniowieczna

Muzyki średniowiecza i muzyki średniowiecznej odnosi się do muzyki europejskiej, jak było napisane w dół od 9. wieku i został utworzony w następnym okresie do około 1430 roku. Muzykologia dzieli muzyczną średniowieczu na trzy okresy:

  1. od pojawienia się chorału gregoriańskiego do około 1100 roku z dominującą muzyką monofoniczną
  2. muzyka XII i XIII wieku ( szkoła Notre Dame ) wraz z rozwojem muzyki polifonicznej
  3. muzyka od około 1300 do 1430 roku ( Ars nova, Trecento ) z rosnącym zróżnicowaniem różnych stylów w różnych krajach.

Muzyka średniowiecza należy do muzyki dawnej w muzykologii i została zastąpiona muzyką renesansu w XV wieku .

Wczesne średniowiecze

Chorał gregoriański (muzyka liturgiczna)

Duch Święty przedstawiony jako gołębica, daje Grzegorz I chorału melodie, który dyktuje im skryby (od antyfonarza z Hartker von St. Gallen , około 1000)

Jednogłośny, bez akompaniamentu śpiew liturgiczny Kościoła rzymskokatolickiego w języku łacińskim jest najważniejszym źródłem naszej wiedzy o stanie rozwoju muzycznego we wczesnym średniowieczu.

Refleksję na temat papieża Grzegorza I († 604) jako autora chorału z IX wieku można prześledzić do atrybucji Johannesa Diaconusa w jego Vita Gregorii , który opisuje, że papież Grzegorz I otrzymał chorał od Ducha Świętego, Pomysł, który można znaleźć w licznych średniowiecznych ilustracjach książkowych przedstawiających Grzegorza z Duchem Świętym w postaci gołębicy dyktującej mu melodie. Teraz jest pewne, że kilka tysięcy melodii chorałowych nie wraca do jednej osoby. Schola Cantorum w Rzymie, założona w czasach Grzegorza, może być jednym z korzeni. Nie jest również jasne, czy repertuar chorału gregoriańskiego sięga jednego zbioru napisanego w neumach w epoce Karolingów . Chorał gregoriański był prawdopodobnie zależny od starożytnego śpiewu rzymskiego , który został odnotowany w Rzymie w XI wieku. Starsze praktyki, takie jak pieśni galijskie i mozarabskie , a także śpiew ambrozjański , zostały w dużej mierze zastąpione chorałem gregoriańskim.

W średniowieczu, śpiew był funkcjonalny częścią liturgii z mszy i Urzędu ( Liturgii z godzin ). W każdym Höre obejmują psalmy z odpowiednimi Antiphons , hymnów i kantykami a odczyt Pismo z odpowiednim Responsorien lub pęcherzyków .

Melodie i teksty do Liturgii Godzin ( Jutrznia , Laudes , terz, sekstet , Non , nieszpory i kompleta ) są kompilowane w książce liturgicznego The Antiphonale . Muzycznie Matutin, Laudes i Nieszpory są wybitne. Nieszpory obejmują Magnificat , pochwala Benedictus , w Compline, oprócz Nunc dimittis, w zależności od pory roku kościelnego, śpiewa się jedną z czterech maryjnych antyfon, Alma redemptoris mater , Ave Regina caeloreum , Regina caeli lub Salve Regina .

Liturgia Mszy Świętej obejmuje część zmienną, w zależności od roku kościelnego i specjalnych dni świątecznych, oraz część niezmienną. Części zmienne nazywane są Proprium Missae , część stała Ordinarium Missae . Do proprium należą pieśni Introit , Graduale , Hallelujah , Tractus , Offertorium i Communio . Ordynarium składa się z Kyrie , Gloria , Credo , Sanctus, Benedictus i Agnus Dei . Chorały na Proprium i Ordinarium Mszy zostały połączone w Graduale Romanum . W Liber Usualis odnotowano także śpiewy z antyfonali i graduałów, które są szczególnie często używane . Teksty masy można znaleźć w mszale , te biura w brewiarz .

Rola Grzegorza z perspektywy XIX wieku

W XIX wieku, wraz z początkiem badań naukowych nad muzyką średniowiecza, Gregor został zidentyfikowany jako twórca wielu zjawisk muzycznych. Ocena ta opierała się na bezkrytycznym zaabsorbowaniu nowo odkrytymi wówczas źródłami, w których chorał gregoriański został przedstawiony jako podstawa wszelkiej muzyki sakralnej. Dziś przyjmuje się, że w średniowieczu cała muzyka była często tylko kojarzona z Gregory, aby czerpać nowe zjawiska z boskiej inspiracji chorału do Grzegorza, a więc jako boskiej. Odpowiada to średniowiecznej naukowej metodzie czerpania wszystkiego, co nowe, od uznanego autorytetu ( auctoritas ) i ostatecznie ustanawiania jedności wiedzy.

Tekst leksykonu z Konversations-Lexikon Meyera z 1880 roku jest dobrym przykładem XIX-wiecznego stosunku do Gregora:

„Niezwykle ważny jest jednak postęp, jaki muzyka zawdzięcza papieżowi Grzegorzowi Wielkiemu (zm. 604). Uzupełniał system trybów kościelnych , dodając cztery kolejne do czterech kluczy ambrozjańskich, tak zwanych autentycznych, które nazywano kluczami plagali ( ... męskim i żeńskim jest trafnie scharakteryzowany). że muzyczna uwaga, podstawowa lub końcowa nuta, jest wspólna dla obu [...]

Inną zaletą muzyki zyskał Gregor poprzez poprawę miasta założonego przez papieży Sylwester Hilary na 4 i 5 wieku muzycznych kościół szkołach , jak również kompilację znanych w swoich hymnów czasowych w tzw Centone Antiphonarium że aż do chwili obecnej zachowała się podstawa rzymskiego śpiewu kościelnego. Zwieńczeniem jego muzycznej działalności reformatorskiej jest jednak wprowadzenie sposobu prezentacji nazwanego jego imieniem, chorału gregoriańskiego lub cantus planus (łacińska pieśń płaska ), nazwanego tak, ponieważ nie ma, podobnie jak starożytny, a także ambrozjański, śpiewu wartość czasowa tonów Podporządkowany miernik poezji, ale śpiewakowi pozostawiono [...] rozciąganie i skracanie sylab tekstu, jak mu się podoba, jak w mowie ekspresyjnej. ”

Rozszerzenia, polifonia i teoria muzyki

W okresie karolińskim pojawiły się różne ekspansje chorału gregoriańskiego, które stopniowo usamodzielniały się. Należą do nich melizmy , tropiki , alleluja , sekwencje . Najwcześniejszym pisemnym dowodem są dźwięki , udokumentowane od 800 roku , w których wymienione tam melodie są posortowane według tonacji. Temu zagadnieniu tonacji (trybów ) poświęcony jest krótki traktat Musica Albini (również wydany jako De octo tonis ). Ten tekst to między innymi Cytowane w muzycznej pracy teoretycznej Musica Disciplina , napisanej około 850 roku . W Organum początki polifonii również miały swój początek w formie dwuczęściowej ( Musica enchiriadis ).

Hucbald z Saint-Amand: De harmonica institutione

Pierwszym, który ustalił stałe zasady jednoczesnego brzmienia dwóch lub więcej rzędów nut, był Hucbald (lub nieznany autor, określany jako „pseudo-Hucbald”). Częściowo podążał za starożytną teorią muzyczną, która w łacińskiej aranżacji Boëthiusa († 525) ponownie stała się przedmiotem badań w jego czasach, częściowo zaś z praktycznym doświadczeniem, które zdobył już na instrumentach muzycznych; nazwy, których użył, Diaphonie („ dźwięk ”) i Organum („instrument muzyczny”) wskazują na jedno źródło, a także na drugie.

Metoda Hucbalda początkowo polegała na dodaniu sekundy do serii nut w piątym, który już został uznany przez Greków za najdoskonalszą współbrzmienie; następnie uzyskuje paralele czwartych w dwóch górnych głosach, podwajając oktawę niskiego głosu; wreszcie, podwojenie oktawy drugiego głosu, czterogłosową część, np. B. Oprócz tej czysto mechanicznej kombinacji tonów, zaleca on jeszcze jeden z zaledwie dwóch głosów, z których jeden zwykle utrzymuje się na tej samej wysokości, podczas gdy drugi porusza się wokół niej w różnych odstępach czasu.

Hucbald entuzjastycznie wypowiadał się o efekcie tej „uroczej harmonii”, ale tylko dzięki temu powstała bardzo prosta forma polifonii.

Guido z Arezzo (Micrologus): około 1025

Sto lat później benedyktyn Guido von Arezzo († 1050) zyskał wielką sławę jako reformator muzyki (główne dzieło Micrologus de dyscyplina artis musicae ). To dzięki ważnemu postępowi, powstaniu odpowiedniego wzrostu potrzeb notacji muzycznej . Grecy używali 24 liter alfabetu greckiego (dla instrumentów w niewłaściwym położeniu), Grzegorz Wielki użył alfabetu łacińskiego i, uznając potrzebę uproszczenia starożytnej notacji, tylko pierwszych siedem do oznaczenia skala diatoniczna. Oba typy notacji obarczone były jednak błędem polegającym na tym, że nie przedstawiały wyraźnie wznoszenia i opadania melodii.

Trzeci tonowy skrypt, znany już w czasach Gregory'ego i używany przez niego oprócz liter, był w stanie to zrobić, neumy , składające się z dużej liczby znaków, kropek, kresek i zawijasów, których pochodzenie jest do pewnego stopnia w akcentach pisanego języka greckiego, którego należy szukać; ale położenie poszczególnych wznoszących się i opadających znaków tonowych było, o ile nie zostało określone za pomocą systemu linii, zbyt nieokreślone, aby nie pozwolić na najróżniejsze odczyty. Guido zaradził teraz tej niedogodności, doprowadzając próby swoich poprzedników do zakończenia, najpierw jedną, a następnie dwiema, czasem czarnymi, czasem kolorowymi liniami, używając czterech linii oprócz odstępów między nimi, uzyskując w ten sposób możliwość wykorzystania neum w zakres jednej oktawy (dokładnie jednej dziewiątej), aby przypisać jej określone miejsce.

Guido były dla. Czasami błędnie przypisywane wielu innym innowacjom. zwłaszcza jego metoda nauczania śpiewu, dzięki której twierdził, że jest w stanie ukończyć szkolenie śpiewaka w ciągu roku lub co najwyżej dwóch lat. Metoda ta polegała na tym, że uczeń uchwycił interwałowe relacje piosenki, której miał się szybciej nauczyć, porównując ją z czymś, co już znał. Jako odpowiedni rodzaj melodii do takich porównań, Guido zaleciła John Hymn przez Paulus Deacon , w której śpiewacy błagał chrypka Jana Chrzciciela, „patron jasnym głosem” ( vox clamantis ), które mają być uleczony zaletę że ten hymn w szczególności zaoferował uczniowi, było dwojakie: z jednej strony, ponieważ ich poszczególne frazy melodyczne („takty” w dzisiejszej terminologii) reprezentowały relacje interwałowe charakterystyczne dla trybów kościelnych, az drugiej strony, ponieważ początkowe nuty wyrażenia te tworzą rosnącą skalę diatoniczną. Ta przypadkowa okoliczność skłoniła później ludy retoromańskie do oznaczenia nut skali sylabami utre mi fa sol la . Litera „si” dla siódmego stopnia została dodana we Francji dopiero później, po tym, jak ogólnie wprowadzono system oktaw.

Kolejną pomocą w orientacji w przestrzeni boiska, której wprowadzenie przypisuje się Guido, była ręka Guidonic .

Muzyka ludowa

Równoległy wczesny rozwój pieśni ludowej, tańca ludowego i muzyki minstrela można z trudem wywnioskować z dostępnych, znacznie późniejszych źródeł.

Źródła odręczne

  • Codex Blandiniensis , Bruksela, Bibliothèque Royale, Codex 10127-10144, utworzono 8./9. Century - jeden z najstarszych rękopisów z tekstami pieśni masowych

Notre-Dame, Ars antiqua i Minnesang (ok. 1100–1300)

Od końca XII wieku coraz większe znaczenie miała kompozycja polifoniczna, początkowo zwłaszcza w gatunkach śpiewu sakralnego Organum i Conductus .

Organum wzbogaca istniejący jednomyślny chorał o jeden lub więcej dodatkowych głosów. W przeciwieństwie do dwuczęściowych organów równoległych z Musica enchiriadis z IX wieku, w których głosy zaczynają się unisono i rozchodzą się aż do osiągnięcia współbrzmienia, następnie poruszają się równolegle w kwintach doskonałych i wreszcie łączą się ponownie w unisono, chorał dźwięki stają się w szkole Notre Dame około 1200 roku, aż trzy głosy były zajęte zabawą, więc mogą postępować bardzo wolno. Utwory te były śpiewane jako soliści i tylko w szczególnych terminach w roku kościelnym. Najważniejszymi przedstawicielami są Léonin i Pérotin .

Pojawiające się modalne zapis daje jaśniejszy informacje o rytmie utworów muzycznych. Rozróżnia się tempus perfectum (doskonała miara czasu, potrójna miara) i imperfectum (równa miara).

Centralnym gatunkiem muzyki polifonicznej XIII wieku jest motet , w którym można nakładać różne teksty w różnych językach. Lubią nawiązywać do siebie nawzajem, na przykład do tekstu duchowego dodaje się krytyczny komentarz, który potępia rozbieżność między przesłaniem a życiem przedstawicieli Kościoła. Te złożone kreacje były przeznaczone dla wykształconych, którzy stawali się nową klasą. Ważnymi przedstawicielami ars antiqua motet byli Adam de la Halle i Petrus de Cruce , którzy pod koniec XIII wieku rozszerzyli możliwości rytmu, umieszczając na takcie większą liczbę krótkich wartości. Jest to realizowane w notacji za pomocą małych kropek, które oznaczają dudnienia. Prowadzi to jednak do niejasności w obrębie uderzeń, ponieważ związek między krótkimi wartościami nie jest jasny.

W ciągu XIII wieku notację modalną zastąpiono notacją mensuralną , której zasady po raz pierwszy sformułował Franco von Köln (koniec XIII wieku).

notacja

Podobnie jak jego poprzednicy, Franco również zaczynał od Greków, początkowo przyjmując tylko dwie wartości nut, longa i brevis , odpowiadające długiej i krótkiej sylabie starożytnej prozodii . Połączenie tych dwóch rodzajów nut, z których drugi liczył połowę pierwszego, skutkuje sposobem, który pojawia się albo jako trochaeus, albo jako jambus , ale oczywiście zawsze składa się z trzech części; To wyjaśnia, dlaczego w najwcześniejszych czasach muzyki mensuralnej trzyczęściowy rytm był używany samodzielnie, a później, gdy używano również rytmu dwuczęściowego, nazywano go doskonałym, ale tym drugim - niedoskonałym. W dalszej części swojej prezentacji Franco porzuca tradycje starożytności, ponieważ tutaj jako nowe wartości nutowe pojawiają się podwójne longa ( maksima ) i pół brevis ( semibrevis ).

Z tymi znakami, do których jest też to na przerwę , można było już zanotować rytmicznie zróżnicowaną muzykę; jedynie notacja menzuralna z okresu średniowiecza cierpiała na problem polegający na tym, że o wartości banknotów decydował nie sam ich kształt, ale także ich położenie względem sąsiedniej nuty, co bardzo utrudniało ich rozszyfrowanie. Trudności wzrosły wraz z tzw. Ligaturami , tj. H. Grupy kilku nut zebranych razem w jeden znak, które były śpiewane na sylabie iw których wartość poszczególnych nut była określana przez wznoszącą lub opadającą linię po prawej lub lewej stronie itp.

Ponadto, ważna pomoc w dokładnym odtwarzaniu muzyki mensuralnej lub, jak to również nazywano, muzyki figurowej , kreski taktowej , była nadal nieznana; pojawił się tu i ówdzie dopiero w XVI wieku, aż do powszechnego użytku na początku XVII wieku.

Trobadors i Trouvères

Manuskrypt piosenki Manesse . Pokazany jest Heinrich von Meissen

Inna ważna dziedzina praktyki muzycznej miała miejsce na dworach wczesnego średniowiecza. W południowej Francji Trobadorowie uprawiali pieśń minstrela w starożytnym oksytańskim języku literackim, używanym czasami na prawie wszystkich dworach w południowej Europie . Za najstarszego przedstawiciela uważany jest Wilhelm IX. Akwitanii . W północnej Francji, a konkretnie w Normandii , a od 1066 r. Na dworze angielskim pieśń trouvères (trubadurów) była kultywowana w języku starofrancuskim (lub anglo-normańskim ). Na dworach frankońskich i alemańskich pod ich wpływem rozwinęła się tradycja Minnegesang w języku średnio-wysoko-niemieckim .

Muzykę dworską wspierały burżuazyjne kręgi kupców i rzemieślników oraz muzykę instrumentalną i taneczną, która dotąd była zaniedbywana w spółdzielniach cechowych i sprzyjała zrozumieniu poezji i sztuki muzycznej. Przykładami są szkoły Mastersingers w Norymberdze, Ulm, Strasburgu, spółdzielnie instrumentalne Bractwo Nikołaja w Wiedniu (1288) i Confrérie de Saint-Jullen des ménestriers w Paryżu (1330). Równie ważny jest rozwój pieśni ludowej. B. świadectwem jest tzw. Śpiewnik Lochamer, napisany w XV wieku .

Wczesna polifonia w Anglii

W porównaniu z sytuacją we Francji niewiele przekazano z Anglii, także dlatego, że kodeksy były później niewłaściwie wykorzystywane jako oprawy nowych książek. Letni kanon Sumer is icumen in cieszy się sławą, nie tylko przyciągając uwagę jako najstarszy zachowany kanon w historii muzyki, ale także ukazując pewne różnice w stosunku do francuskiej polifonii. Pod tym względem uderzająca jest polifonia 6 głosów i traktowanie trzeciego jako współbrzmienia, często w dźwiękach od trzeciej do szóstej. Charakter kompozycji jest popularny i prosty. Struktura podzielona jest na dwie warstwy, poniżej dwa głosy zwane pes , które naprzemiennie co dwa takty mają mały zakres wokalny, a powyżej cztery głosy z większym zakresem wokalu z dłuższą melodią. Utwór został przekazany wraz z różnymi tekstami piosenek.

Źródła odręczne

Ars nova, Trecento (około 1300–1430)

Motety Philippe de Vitry zostały przekazane w satyrycznej powieści de Fauvel

Na początku XIV wieku interesujące są dzieła muzyczne, na przykład Marchettusa z Padwy i Johannesa de Murisa , doktora teologii na Uniwersytecie Paryskim (ok. 1300 r.). Tutaj po raz pierwszy pojawia się zakaz paralelii kwint i oktaw, które Hucbald wciąż chwalił za ich euforię, wraz z różnymi innymi naukami, które od dawna zachowały ważność w kompozycji polifonicznej. De Muris używa również słowa kontrapunkt zamiast używanego do tej pory wyrażenia Discantus jako określenia dwuczęściowego utworu.

Ars nova i Ars subtilior

Dwoma czołowymi kompozytorami francuskiej ars nova byli Philippe de Vitry i Guillaume de Machaut . Zwłaszcza w motetach dali przykład nowego stylu, który był możliwy dzięki notacji mensuralnej: izorytmia nieustannie powtarzanego modelu rytmu ma miejsce w tenorze, który kilkakrotnie przedstawia fragment chorału, z modelem rytmicznym Talea i modelem melodycznym. Kolor jest przepuszczany asynchronicznie. Pod koniec następuje przyspieszenie. Głosy wyższe nawiązują do niej, ale przeważnie nie są izorytmiczne. Końce frazy również nie są zsynchronizowane i nie można usłyszeć formy. Liczby i proporcje są charakterystyczne. Popularną techniką komponowania jest hoquetus , w którym dwa głosy szybko zmieniają się między śpiewem a pauzą.

Przykład muzyki do oczu w formie serca w pieśni miłosnej „Belle, Bonne, Sage”

Pod koniec wieku Ars Nova została zastąpiona przez Ars subtilior , w której poszerzenie materiału tonalnego i silniejszy podział wydarzeń rytmicznych wraz z częstymi zmianami długości i polirytmii prowadziły do ​​bardzo złożonych rezultatów. Szczególnie dobrze znane utwory we Francji są La harpe de melodie przez Jakuba de Senleches , Fumeux oparów par fumée przez Solage i Heart- ukształtowanej piosenka o miłości Belle Bonne, szałwia przez Baude Cordier .

Muzyka Trecento

Muzyka włoska XIV wieku wyróżnia się na tle muzyki francuskiej różnicami w zapisie i stylu. W przeciwieństwie do francuskiego zapisu menzuralnego, wariant włoski ma niejednoznaczności i potrzebę punktów, które regularnie strukturyzują wydarzenia muzyczne. Interpretację zapisu rytmicznego, a także ogólne zrozumienie konkretnego utworu, utrudnia tradycja, która zawiera te same utwory muzyczne odpowiednio z różną liczbą głosów. oferuje dwuczęściowe konstrukcje zdań z różnymi trzecimi głosami. Najważniejszym źródłem jest Squarcialupi Codex , w którym zaprezentowano zbiór wybitnych dzieł schyłku epoki, posortowanych według kompozytorów, co jest niezwykłe jak na tamte czasy, a każdy z nich przedstawia realistyczny portret.

Landini z wieńcem laurowym i portatem (ilustracja z Kodeksu Squarcialupi )

Charakterystyczny dla muzyki Trecento jest styl bardziej wokalny w porównaniu z utworami francuskimi, także z niedoskonałymi współbrzmieniami w punktach spoczynku, a także z ograniczeniem melizmatyki do pierwszej i przedostatniej sylaby. Najbardziej znanym gatunkiem, liczącym 140 egzemplarzy, jest najsłynniejszy przedstawiciel, Francesco Landini , ballata, madrygał i caccia , ta ostatnia z dwoma „ścigającymi” kanonicznymi głosami górnymi, przy czym krótkie wezwania są często wbudowywane w strumień głosów.

Pod koniec stulecia pojawiało się podejście do muzyki francuskiej, np. Z formami mieszanymi, jak motet izorytmiczny z elementami caccia, czy z bardzo złożonymi strukturami rytmicznymi. Ważną pozycję w historii kompozycji masowej zajmuje również postać centralna Johannes Ciconia , którą można uznać jedynie za gatunek cyklu mszalnego z XV wieku, słynny wkład Machauta pozostawał w swoim czasie odizolowany.

Możliwości studiowania

  • Na Schola Cantorum Basiliensis - Uniwersytecie Muzyki Dawnej w Bazylei prowadzony jest jedyny na świecie stacjonarny, stacjonarny kurs muzyczny z zakresu muzyki średniowiecza .
  • Dwuletnie szkolenie w niepełnym wymiarze godzin jest oferowane w Burg Fürsteneck Academy pod kierunkiem Marca Lewona i Uri Smilansky'ego .
  • Od 2011 r. Folkwang University of the Arts w Essen oferuje dwuletnie studia magisterskie w niepełnym wymiarze godzin na kierunku „Muzyka średniowiecza”, które wymagają uzyskania odpowiedniego tytułu licencjata muzycznego lub muzykologicznego, na czele których stoi m.in. Stefan Klöckner .

Indywidualne dowody

  1. ^ Andreas Pfisterer: Cantilena Romana. Badania nad transmisją chorału gregoriańskiego. Paderborn 2002, s. 193. ISBN 3-506-70631-4 online
  2. ↑ Signe Rotter-Broman: Granice trzyczęściowej techniki kompozycji Trecento. O wielokrotnych transmisjach ballat i madrygałów we Włoszech około 1400 roku. W: Die Musikforschung 60, s. 2–12.

Zobacz też

literatura

linki internetowe